15 Styles de danse universelle

Vous êtes-vous déjà demandé pourquoi la danse est si universelle ? Peu importe où vous allez dans le monde, la danse est une forme d’expression commune, appréciée par tous. Dans cet article, nous explorons les différentes facettes de la danse, du hip-hop à la danse classique, il n’y a qu’un pas dans les deux sens du terme. Quelque soit votre danse préférée, cet art incroyable stimule la créativité autant que la santé mentale et physique. Vous découvrirez les rôles multiples de la danse dans la société d’aujourd’hui et comment elle représente une forme de communication universelle, dévoilant des histoires et échangeant des idées.

1. Ballet

Le Ballet est une forme de danse qui a vu le jour pendant la Renaissance italienne, avant de se développer en France et en Russie en tant que danse de concert destinée à la représentation publique. Il s’agit d’un ballet, où la danse est chorégraphiée avec de la musique classique. Les productions de ballet varient, utilisant parfois des costumes et des mises en scène élaborés, parfois optant pour des costumes minimaux et un décor épuré.

De nos jours, le ballet est une forme de danse très répandue et hautement technique, avec de nombreux sous-genres, y compris le ballet classique, romantique, néoclassique et contemporain. Avec six méthodes principales reconnues : la méthode Cecchetti, la méthode Bournonville, la méthode Vaganova, l’École française, la méthodologie de l’Académie Royale de Danse et la méthode Balanchine. Le ballet est étudié de manière professionnelle dans les meilleures écoles de danse du monde entier.

Harlequin Floors a développé une gamme de planchers de danse spécialisés pour le ballet, offrant suffisamment de traction pour prévenir les blessures, tout en permettant les mouvements fluides exigés par la danse classique. Le Harlequin Cascade est l’un de nos sols de danse les plus populaires pour le ballet, et peut être installé sur plusieurs de nos planchers à ressort. Harlequin Floors propose également des barres de ballet professionnelles, disponibles en versions murales permanentes, montées au sol ou autoportantes.

Histoire du ballet

Le ballet a commencé à prendre forme pendant la Renaissance italienne au 15e siècle. À l’origine, il faisait partie des festivités de la cour et était exécuté par des amateurs nobles. Au fil des années, les interprètes sont devenus de plus en plus professionnels.

Au 17e siècle, le ballet s’est installé à la cour du roi Louis XIV de France, où il a été formalisé et standardisé. C’est pendant cette période que le ballet a commencé à se séparer de l’opéra et à émerger comme une forme d’art distinct. Louis XIV a également fondé l’Académie Royale de Musique, qui plus tard est devenue l’Opéra de Paris, et les normes pour le ballet ont été établies.

Alors que le ballet continuait d’évoluer, la Russie est devenue un leader important dans le domaine au 19e siècle. Sous la direction de maîtres de ballet comme Marius Petipa et Lev Ivanov, le ballet russe a produit des œuvres classiques telles que “Le Lac des Cygnes” et “La Belle au Bois Dormant”. Au 20e siècle, le ballet a commencé à se diversifier avec l’émergence du ballet moderne et contemporain. Aujourd’hui, le ballet est une forme d’art vivante et dynamique, avec de nouvelles œuvres qui sont créées chaque année.

2. Danse de salon

La danse de salon est un type de danse de couple qui trouve son origine à la fin du seizième siècle en France. Souvent utilisée comme un terme générique pour désigner toute danse de couple, la danse de salon s’est aujourd’hui développée en deux principaux sous-genres : le standard/lisse et le Latin/rythme.

Au sein de ces catégories, on retrouve des danses telles que la valse, le tango et le foxtrot, ainsi que le pasodoble, le boléro et la samba. Ces variations exigent des danseurs maîtrise, élégance et un partenariat harmonieux, chacune ayant son propre style et ses spécificités rythmiques qui en font des expériences uniques.

La danse de salon est également une forme populaire de danse sportive compétitive, avec des compétitions organisées aux quatre coins du globe. Ces compétitions mettent en valeur l’habileté technique et artistique des danseurs, attirant des spectateurs et des passionnés de la danse de salon. Pour répondre aux besoins variés des danseurs, des sols polyvalents sont nécessaires. Harlequin Fiesta, ainsi que le plancher de danse spécialisé Harlequin Liberty Ballroom, offrent un sol de danse exceptionnel et polyvalent, adapté à tous les styles de danse de salon.

Histoire de la danse de salon

La danse de salon a vu le jour à la fin du XVIème siècle en France. À cette époque, elle était réservée à la noblesse et se déroulait lors d’événements de la cour et de fêtes somptueuses. Les premières danses de salon étaient des danses formelles, dont beaucoup nécessitaient une formation spécifique.

Au 19e siècle, avec l’arrivée de nouvelles musiques et de nouvelles influences culturelles, la danse de salon a commencé à évoluer. De nouvelles formes de danse comme la valse, le tango et le foxtrot ont vu le jour, offrant plus de flexibilité et de liberté dans les mouvements de la danse. Ces nouvelles formes de danse ont été popularisées dans les salles de bal, d’où le terme “danse de salon”.

Au 20e siècle, la danse de salon a connu un regain de popularité avec l’émergence de la danse sportive. Les compétitions de danse sportive ont été organisées aux niveaux local, national et international, et ont contribué à la popularité grandissante de la danse de salon. Aujourd’hui, la danse de salon continue d’évoluer, avec de nouveaux styles et techniques qui sont continuellement développés et explorés par des danseurs du monde entier.

3. Danse contemporain

La danse contemporaine s’est développée au milieu du vingtième siècle et représente aujourd’hui l’une des formes de danse les plus appréciées et techniques, étudiées et interprétées professionnellement, surtout aux États-Unis et en Europe. Issue d’un mélange de styles de danse classique, moderne et jazz, elle s’est continuellement transformée pour embrasser les caractéristiques de diverses formes de danse, ce qui en fait une expression artistique unique et riche.

La danse contemporaine est reconnue pour mettre l’accent sur le travail intensif du torse et des jambes, l’utilisation de mouvements comme la contraction et le relâchement, la chute et la récupération ainsi que les passages au sol. Souvent, les performances contemporaines se distinguent par des changements imprévisibles et désordonnés de vitesse et de rythme, ce qui demande aux danseurs une grande polyvalence et réactivité.

Les danseurs contemporains nécessitent donc une surface capable d’absorber les chocs, afin de protéger leurs pieds, jambes et chevilles durant les mouvements rapides et les changements de rythme. Le plancher de danse Harlequin Activity, avec sa conception innovante ‘triple sandwich’, peut être associé à plusieurs de nos planchers de danse en vinyle, garantissant ainsi une surface idéale pour la pratique de la danse contemporaine.

L’histoire danse contemporaine

La danse contemporaine a vu le jour au milieu du 20ème siècle, principalement aux États-Unis et en Europe, en réaction aux formes traditionnelles de danse comme le ballet classique. Elle cherchait à briser les conventions et à repousser les limites de ce que la danse pouvait exprimer. En ce sens, elle s’est inspirée de nombreuses influences, dont la danse moderne, le ballet classique, et même le jazz.

Par définition, la danse contemporaine est toujours en évolution. Elle continue d’incorporer et de réinterpréter divers styles de danse. Au fil des décennies, elle a été influencée par divers mouvements artistiques comme le postmodernisme des années 60 et 70. Des chorégraphes comme Merce Cunningham et Pina Bausch ont révolutionné le genre, en expérimentant avec l’improvisation, la performance en direct et l’interaction avec le public.

Aujourd’hui, la danse contemporaine est l’une des formes de danse les plus répandues dans le monde. Elle continue d’évoluer, repoussant les limites de la danse et offrant un moyen d’expression puissant pour les danseurs. Les compagnies de danse contemporaine du monde entier créent des œuvres novatrices, faisant progresser cet art dynamique vers de nouvelles directions et défiant constamment les limites de ce que la danse peut exprimer.

4. Danse Hip-hop

La danse Hip-Hop désigne un ensemble de danses de rue qui se sont développées en lien avec la musique et la culture Hip-Hop. Née dans les années 70 à New York et en Californie, la danse Hip-Hop a évolué à partir du Funk et du développement du break beat.

Les principaux styles de danse Hip-Hop incluent le Breaking, le Locking et le Popping, et de ces derniers ont émergé des styles dérivés comme le Memphis Jookin’, le Turfing, le Jerkin’ et le Krumping. Ces styles ont souvent été popularisés et intégrés au mainstream après avoir été présentés dans les clips vidéo de l’époque.

Aujourd’hui, le Hip-Hop est pratiqué dans des espaces extérieurs, des studios de danse, et dans un contexte de compétition. Contrairement à de nombreux styles de danse de compétition, le Hip-Hop est souvent improvisé, avec des équipes de danseurs qui se lancent des défis lors de battles de danse.

histoire de la danse hip-hop

La danse hip-hop a émergé comme un moyen d’expression culturelle à travers la rue et les quartiers défavorisés. L’histoire de la hip-hop a commencé dans les années 1970 que le mouvement hip-hop a vu le jour, où des block parties se tenaient dans le Bronx à New York. Ces rassemblements de quartier étaient l’occasion pour des DJs de jouer des musiques populaires, notamment du funk et du soul, créant un contexte propice à l’émergence de nouveaux styles de danse .

Le hip-hop, tel que nous le connaissons aujourd’hui, est un ensemble de danses de rue qui ont évolué en relation avec la musique hip-hop et la culture urbaine. Les principaux styles de danse hip-hop incluent le Breaking, le Locking et le Popping, avec d’autres formes comme le Memphis Jookin’, le Turfing, le Jerkin’ et le Krumping s’épanouissant à partir de ces fondations. Ces styles ont gagné en notoriété et sont entrés dans la culture populaire par le biais des clips vidéo de l’époque, qui les ont présentés à un public mondial .

Aujourd’hui, la danse hip-hop se pratique à l’extérieur, dans des studios de danse, et fait souvent l’objet de compétitions. Ce style se distingue par son aspect improvisationnel, très apprécié dans les battles, où les danseurs s’affrontent et mettent en valeur leur créativité et leur technique. La spontanéité et l’énergie brute du hip-hop continuent d’attirer des adeptes partout dans le monde, faisant de cette forme d’art un phénomène culturel mondial .

5. Danse Jazz

La danse jazz trouve ses racines dans les traditions africaines du XVIIe siècle, apportées aux Amériques par la traite des esclaves. Les esclaves ont continué à pratiquer leurs danses traditionnelles au Brésil, aux États-Unis et ailleurs sur les continents.

Reconnue pour ses mouvements corporels improvisés et dramatiques, la danse jazz a gagné en popularité dans les clubs de jazz du début du XXe siècle. C’est à cette époque que le jazz, tant musical que dansé, a commencé à se répandre dans la culture américaine, influençant de nombreux autres styles de danse et de musique.

Aujourd’hui, la danse jazz s’appuie sur les styles de danse vernaculaire afro-américains qui ont émergé en même temps que la musique jazz aux États-Unis. Des danses comme le Swing, le Lindy Hop, le Shimmy et le Charleston sont des types de danse jazz très populaires. Ces styles dynamiques et expressifs ont marqué l’évolution de la danse jazz et continuent d’influencer les tendances actuelles de la danse jazz.

Histoire de la danse jazz

Le jazz a vu le jour vers la fin du XIXe siècle dans le sud des États-Unis, plus précisément en Louisiane à la Nouvelle-Orléans. Il est né du mélange des rythmes africains, des mélodies européennes et des chants des esclaves noirs américains. Le jazz représente une fusion de cultures, de traditions et de rythmes, créant un style musical unique et innovant.

Dès le début du XXe siècle, le jazz a commencé à se répandre à travers le pays, notamment grâce au mouvement de la grande migration noire vers le nord des États-Unis. Le jazz a été popularisé dans les villes du nord comme Chicago et New York, où de nouveaux styles comme le swing et le bebop ont émergé. Le jazz était joué dans des clubs et des bars, où les musiciens improvisaient et jouaient de la musique toute la nuit.

De nos jours, le jazz a évolué de multiples façons et reste un genre musical influent. Il se caractérise toujours par son improvisation, sa diversité rythmique et son expressivité. Le jazz a influencé de nombreux autres genres musicaux, de la pop à la musique classique, et continue d’inspirer les musiciens du monde entier.

6. La danse claquette 

La danse claquette est un type de danse percussive caractérisée par le “tap” des chaussures sur le sol pendant la danse. Les danseurs de claquettes portent souvent des “claquettes” métalliques sur le talon et la pointe de la chaussure pour accentuer le son.

Souvent pratiquée dans le cadre du théâtre musical, la danse claquette se concentre souvent sur la chorégraphie et les formations, avec plus d’un danseur de claquettes qui performe en même temps. C’est une forme d’expression artistique qui repose autant sur la rythmique et le mouvement que sur l’aspect visuel de la performance.

La danse claquette englobe une variété de types de danses, y compris le flamenco, le rythme, le classique, le broadway et le tap postmoderne. Chaque style apporte sa propre interprétation de l’art des claquettes, tout en conservant le rythme et l’énergie qui caractérisent cette forme de danse expressive et dynamique.

Histoire de la danse claquette

La danse claquette, avec son caractère vibrant et énergique, a une histoire fascinante qui puise ses racines dans une mosaïque de cultures. Née d’un métissage de danses africaines, irlandaises et anglaises, elle s’est développée aux États-Unis au cours du XIXe siècle. L’influence africaine apportait le rythme et l’importance des percussions venant du pied, tandis que les immigrants irlandais et anglais ont introduit les éléments de jig et de clog dancing, qui privilégiaient les pas rapides et frappants.

Au début du XXe siècle, la danse claquette a pris son envol lors de l’ère du vaudeville, où elle était souvent associée à la musique jazz, accentuant ainsi son aspect improvisé et son lien avec la musique de l’époque. Les claquettes ont gagné en popularité au fil des décennies, notamment grâce à des films d’Hollywood et à des danseurs légendaires comme Fred Astaire et Gene Kelly, qui ont apporté la danse à un public plus large.

Dans la seconde moitié du XXe siècle et au début du XXIe, la danse claquette a connu des hauts et des bas, mais a toujours su conserver son public fidèle. Les innovations et l’expérimentation ont continué, menant à des formes contemporaines de claquettes qui fusionnent tradition et modernité. Aujourd’hui, la danse claquette est célébrée partout dans le monde non seulement comme un art performatif, mais aussi comme une partie importante de l’héritage culturel de la danse.

7. Danse folklorique

La danse folklorique est célébrée dans le monde entier. Les différents peuples, cultures et religions utilisent diverses formes de danse folklorique pour exprimer des émotions, raconter des histoires, évoquer des événements historiques ou même représenter des aspects de la vie quotidienne.

Parmi les types de danse folklorique bien connus, on trouve le Bharatanatyam (Inde), la Samba (Brésil) et la Hula (Hawaï). Certaines cultures peuvent même présenter plusieurs variations de danses folkloriques, comme la Corée du Sud qui propose des danses individuelles pour des événements clés tels que des victoires de guerre, l’agriculture, la musique et la religion.

Les danses folkloriques sont souvent organisées lors d’événements publics où chacun peut participer, qu’il soit professionnel ou débutant complet. Ces danses sont généralement accompagnées de musique traditionnelle pour enrichir davantage l’expérience culturelle.

Histoire de la danse folklorique

La danse folklorique est l’expression dansée de la vie des peuples et de leur histoire profonde. À l’origine, ces danses étaient intimement liées aux rites de passage, aux cycles agricoles, aux saisons et à la vie communautaire. Enracinées dans la tradition, elles étaient un moyen de transmission des légendes, des valeurs et des savoir-faire de génération en génération.

Aux détours des siècles, chaque communauté, qu’elle soit villageoise, tribale ou nationale, a développé ses propres danses. Ces dernières étaient rythmées par des musiques locales jouées avec des instruments traditionnels et renforcées par des costumes souvent colorés et riches en symboles. Par exemple, le Bharatanatyam indien, une danse qui évoque la mythologie hindoue, ou encore la Samba brésilienne, qui reflète le dynamisme et la joie de vivre des carnavals.

Avec l’arrivée de la mondialisation et des mouvements sociaux du XXe siècle, la danse folklorique a gagné une reconnaissance mondiale. Non seulement elle est devenue une source de divertissement et d’éducation, mais elle a aussi servi de lien unificateur lors d’événements publics, accessibles à tous, professionnels comme novices. Portant en elle l’esprit et la mémoire collective d’un peuple, la danse folklorique continue de se transformer tout en préservant son essence à travers les époques.

8. Danse irlandaise

Originaire d’Irlande, cette forme de danse traditionnelle est populaire depuis des centaines d’années, non seulement parmi les Irlandais, mais aussi dans d’autres pays du monde entier. Popularisée par des spectacles tels que Riverdance, la danse irlandaise est célèbre pour sa fabuleuse chorégraphie, mettant en avant le travail des pieds et les formations de danse.

La plupart des événements de danse irlandaise sont traditionnellement accompagnés de chants et de musique. Pendant les festivals, des danses sont organisées pour présenter les talents et pour concourir afin de gagner des trophées ou des médailles.

Bien que la danse irlandaise soit généralement reconnue comme une performance de groupe, il existe de nombreuses formes de danses irlandaises en solo, telles que la stepdance.

Histoire de la danse irlandaise

L’histoire de la danse irlandaise est profondément enracinée dans la culture et les traditions de l’Irlande. Les premières traces de cette danse remontent au XVIIe siècle et reflètent les célébrations communautaires et religieuses de l’époque. Très vite, la danse irlandaise a gagné en popularité dans les campagnes et les villages irlandais où les gens se réunissaient pour danser et partager de bons moments.

Au fil du temps, différents styles de danse irlandaise ont émergé. Par exemple, les danses en groupe, appelées céilis, réunissent plusieurs danseurs, qui exécutent des figures spécifiques en formation. Quant aux stepdances, ce sont des danses en solo mettant l’accent sur les mouvements rapides des pieds et la grâce des danseurs. Lors des compétitions et des spectacles, les danseurs portent souvent des costumes traditionnels colorés et ornés de motifs celtes.

Le tournant majeur de la danse irlandaise est survenu dans les années 1990 avec la création du spectacle Riverdance. Ce spectacle a offert à la danse irlandaise une visibilité internationale et l’a propulsée au rang de phénomène culturel. Aujourd’hui, la danse irlandaise est pratiquée et admirée dans le monde entier, tout en conservant son essence culturelle et ses racines celtes.

9. Danse Moderne

Considérée comme un vaste genre de danse, la danse moderne est principalement issue des pays occidentaux comme les États-Unis et l’Allemagne à la fin des années 1900. Alors que la plupart des formes de danse sont structurées et présentent des pas précis, le but de la danse moderne est de s’appuyer sur l’interprétation de la musique et du ressenti du danseur pour guider ses mouvements.

La danse moderne est née initialement d’une aversion pour les limites des danses traditionnelles comme le ballet, qui souvent opprimaient les danseurs avec des règles et techniques rigides.

De nos jours, la danse moderne est appréciée dans le monde entier, les participants ont la possibilité de pratiquer ce style de danse sans devoir se concentrer strictement sur leurs techniques ou leur alignement. Au lieu de cela, les danseurs peuvent choisir une pièce musicale et utiliser des mouvements non conventionnels pour exprimer des émotions ou raconter une histoire significative.

Histoire de la danse moderne

L’histoire de la danse moderne plonge ses racines au cœur du XXe siècle occidental. Née aux États-Unis et en Allemagne, elle découle d’un désir de libération face aux structures traditionnelles du ballet et des chorégraphies de danse classiques. Les danseurs cherchaient à se libérer des contraintes techniques et formelles, et à créer des mouvements qui résultaient d’une interprétation personnelle de la musique et des émotions.

Les pionniers de la danse moderne, comme Isadora Duncan, Martha Graham et Rudolf von Laban, ont joué un rôle crucial dans la transformation de la danse traditionnelle en danse moderne. Ils ont remis en question les règles du ballet classique, recherchant une plus grande fluidité et des mouvements plus naturels. Le corps des danseurs était ainsi libéré, permettant une expression personnelle plus profonde.

Aujourd’hui, la danse moderne est considérée comme un mélange fusionnel de différents genres de danse, ouvrant la voie à de nouvelles formes d’expression. Les danseurs peuvent renoncer à certaines rigueurs de la technique traditionnelle tout en explorant de nouvelles dimensions du mouvement, de l’innovation et de l’interprétation, faisant de la danse moderne une discipline constamment en évolution, autant influencée par son histoire que par la créativité de ses interprètes.

10. Swing

Le swing est une variation de la danse jazz qui s’est développée entre les années 1920 et 1940 en réponse à la popularité croissante du swing jazz en Amérique. Avec l’évolution de la musique survenue durant l’ère du jazz, la danse a également commencé à se transformer, la musique swing incitant à des mouvements plus rapides et plus rigoureux.

Des formes populaires de danse swing comprennent le Lindy Charleston, le Jitterbug, le Lindy Hop et le Balboa, qui sont encore pratiqués aujourd’hui. Le swing se dansait souvent au son des orchestres de Big Band qui jouaient des mélodies entraînantes, lisses et agréables à écouter.

Les danseurs de swing se sentiront à leur aise sur notre gamme de sols en vinyle. Tout comme dans le jazz, les danseurs de swing peuvent créer de magnifiques performances sur la gamme de sols en vinyle Harlequin, comme le Harlequin Reversible Pro, qui offre une surface antidérapante de haute performance pour protéger les danseurs.

Histoire du swing

Le swing s’ancre dans l’histoire américaine comme un vibrant témoignage de l’énergie et de l’innovation culturelle du début du XXe siècle. Durant les années folles, le jazz anime les rues et les clubs, propulsant la société dans une ère d’allégresse musicale. C’est dans ce contexte de libération que le swing, enfant de l’époque du jazz, voit le jour, mélangeant le rythme exubérant du jazz à des mouvements de danse expressifs.

Les années 1920 à 1940, souvent qualifiées d’âge d’or du swing, sont marquées par une série d’innovations musicales et chorégraphiques. De célèbres danses, telles que le Lindy Hop, naissent sur les parquets vibrants de clubs mythiques tels que le Savoy Ballroom et se répandent rapidement à travers les États-Unis. Le swing devient alors synonyme de joie, d’évasion et de communion, reflétant dans chaque pas un esprit de liberté.

À mesure que les orchestres de Big Band prennent leur essor, le swing s’installe durablement dans la culture populaire. Dans les décennies qui suivent, il continue d’évoluer tout en préservant son essence, inspirant de nouvelles générations à exprimer à travers la danse les mélodies swing. Aujourd’hui, un revival de swing enchante les pistes de danse, prouvant que l’esprit joyeux et entraînant de cette danse traverse les âges avec une vivacité intemporelle.

11. Danse Samba

Développée dans les années 1950, la samba est une danse et un genre musical célèbre qui a émergé lorsque les personnes ont été transportées du continent africain vers le Brésil pour travailler comme esclaves dans les mines et les plantations de sucre. Elles ont apporté des aspects de leur culture musicale avec elles.

La samba est caractérisée par son rythme entraînant, ses mouvements expressifs et son énergie exubérante. Elle est généralement dansée lors de célébrations et de fêtes, offrant un spectacle haut en couleur, où l’expression personnelle et la joie se rencontrent. Les mouvements fluides et énergiques du corps au son des tambours créent une ambiance à la fois festive et émotionnelle.

Aujourd’hui, le rythme contagieux de la samba est considéré comme la danse nationale du Brésil. Elle est appréciée et pratiquée non seulement au Brésil, mais aussi partout dans le monde. La samba symbolise le dynamisme, la joie de vivre et le riche patrimoine culturel du Brésil, et elle continue de captiver les amateurs de danse et de musique avec sa beauté et son énergie inégalées.

Histoire de la Samba

L’histoire de la samba trouve ses origines dans le brassage culturel imposé par le commerce transatlantique des esclaves, transportant des personnes de l’Afrique vers le Brésil au XVIIe siècle. Ces personnes ont apporté avec elles leurs traditions musicales et de danse, qui ont progressivement fusionné avec les coutumes locales et européennes pour donner naissance à de nouvelles formes d’expression artistique, dont la samba.

La samba, telle que nous la connaissons aujourd’hui, a émergé dans les années 1920 dans les quartiers populaires de Rio de Janeiro. Cette danse aux rythmes frénétiques et aux mouvements exubérants, est rapidement devenue une part intégrale de la culture brésilienne. Les notes joyeuses de la samba ont retenti de manière significative lors du Carnaval de Rio, qui est devenu emblématique non seulement pour la ville, mais aussi pour le pays.

À l’heure actuelle, la samba reste une expression vivante des traditions culturelles du Brésil. C’est une danse qui unit les Brésiliens malgré leurs différentes origines et qui s’est répandue à travers le monde, véhiculant avec elle une part inséparable de l’histoire et de l’identité brésiliennes. La samba incarne la joie de vivre, la résilience et l’esprit festif de la culture brésilienne.

12. Jive

Le jive, l’une des danses latines les plus populaires et les plus animées, se compose de nombreux mouvements de hanches et de genoux. Ce style de danse a vu le jour aux États-Unis, créé par les Afro-Américains au début des années 1930.

Les mouvements rapides et enjoués du jive le distinguent des autres danses. Les danseurs se balancent et tournent sur des rythmes rapides, créant une danse énergique et animée. Les mouvements syncopés de la danse se marient à la musique swing pour offrir un spectacle captivant.

La version officielle de danse de salon du jive a été formalisée dans les années 90. Aujourd’hui, le jive est reconnu et pratiqué dans le monde entier. Son rythme enjoué et son style dynamique continuent de captiver les danseurs de tous âges, faisant du jive une danse véritablement universelle.

Histoire du Jive

Le jive, avec son énergie électrisante et ses mouvements vifs, émerge comme une manifestation expressive de la culture populaire américaine au début des années 1930. C’est dans les communautés afro-américaines que la danse commence à prendre forme, inspirée par une combinaison de rythmes africains et de l’influence croissante de la musique jazz.

En tant que danse, le jive devient rapidement un incontournable des soirées et des clubs, adopté par la jeunesse de l’époque pour son caractère joyeux et rebelle. Il évolue de son état brut à une forme plus structurée qui sera finalement adoptée par la scène de la danse sportive. C’est dans les années 1930 et 40 que le jive est particulièrement popularisé par le cinéma et la musique swing, apportant la danse aux masses à travers les performances d’icônes telles que Cab Calloway et Benny Goodman.

Vers les années 90, le jive tel que nous le connaissons dans le contexte de la danse de compétition est codifié, complétant ainsi l’éventail des danses latines en ballroom. Sa nature entraînante et ludique continue d’inspirer danseurs et spectateurs, faisant du jive non seulement un symbole de l’esprit libre des premiers instigateurs mais aussi une partie intégrante de l’identité culturelle contemporaine dans les compétitions de danse partout dans le monde.

13. Danse du ventre

Les premières danseuses du ventre étaient un groupe de danseuses itinérantes connues sous le nom de ghawazee. Ces femmes étaient considérées comme des tziganes en Égypte au XVIIIe siècle, et ont été bannies du Caire dans les années 1830. Elles ont ensuite continué à se produire en Haute-Égypte, au Moyen-Orient et en Europe.

Le genre de danse du ventre connu sous le nom de raqs sharqi a commencé à se développer à travers le XXe siècle, adoptant des éléments de styles de danses folkloriques, de ballet, de danse latine, et même de fanfares américaines. La danse du ventre est une danse gracieuse et expressive qui met en valeur l’habilité et la souplesse de la danseuse. Les mouvements sont fluides et rythmés, avec un accent particulier mis sur les mouvements de ventre et de hanches.

La danse du ventre a gagné en popularité aux États-Unis dans les années 1960, à une époque où de plus en plus de femmes devenaient des esprits libres. Elle a rapidement fasciné les spectateurs avec son exotisme et sa beauté, et continue à être pratiquée et admirée à travers le monde. Les mouvements élégants de la danse du ventre continuent de capter l’attention de tous, faisant de cette danse un symbole de liberté et de confiance en soi.

Histoire de la danse du ventre 

La danse du ventre, ou danse orientale, a des origines qui remontent à des temps anciens . Considérées comme les précurseures de la danse du ventre moderne, les danseuses ghawazee étaient un groupe de tziganes qui voyageaient à travers l’Égypte au 18e siècle. Il a été dit qu’elles ont été expulsées du Caire dans les années 1830, mais ont continué à se produire en Haute-Égypte, ainsi qu’au Moyen-Orient et en Europe.

Au fil du temps, la danse du ventre s’est développée pour intégrer divers éléments provenant de divers styles de danse, notamment des danses folkloriques, du ballet, de la danse latine et même des fanfares américaines. C’est dans les années 1900 que ce style de danse, appelé raqs sharqi, a commencé à se populariser. Étant principalement une danse solo improvisée, elle mettait l’accent sur les mouvements du torse et était utilisée pour célébrer la féminité, la fertilité et la beauté.

Il est à noter qu’au cours des années 1960, une période se caractérisant par une montée des idées de libre pensée parmi les femmes, la danse du ventre a commencé à gagner en popularité aux États-Unis. Entrant dans l’ère moderne, cette danse ancienne continue de charmer les publics avec ses mouvements hypnotiques et son aura intriguante, célébrant la forme féminine et la liberté individuelle.

14. Breakdance

Le breakdance est l’une des danses les plus athlétiques au monde et a gagné en popularité dans les années 1970 comme danse de rue à New York. Depuis, il s’est répandu dans le monde entier où il est considéré comme l’un des styles de danse les plus uniques jamais créés. Cette forme de danse met en relief la force physique, l’agilité et la créativité des danseurs, et elle a été rapidement adoptée par les jeunes à la recherche d’une expression corporelle puissante et originale.

En général, les danseurs de breakdance exécutent leurs mouvements en solo, suivant une série de mouvements de danse et d’acrobaties soit chorégraphiés soit improvisés. Ils s’expriment souvent sur des musiques comprenant du breakbeat, du hip-hop ou du funk, ce qui permet un rythme dynamique et un flux d’énergie constant. Les mouvements de breakdance nécessitent une grande coordination et une formation sérieuse pour maîtriser les tours complexes, les glissades au sol et les figures aériennes.

Reconnu pour ses “battles”, ou concours de danse, où les danseurs s’affrontent en duel, le breakdance inspire aussi bien le respect que l’enthousiasme des spectateurs. Chaque danseur apporte son propre style et ses propres mouvements, souvent dans une ambiance de camaraderie et de compétition amicale. Le breakdance continue de captiver un public mondial et s’inscrit désormais dans de nombreuses facettes de la culture populaire, y compris les publicités, les films et même les Jeux Olympiques.

Histoire du Braekdance

Bien que généralement associé aux États-Unis, des archives indiquent qu’une forme de breakdance était pratiquée en Afrique, plus précisément à Kaduna, au Nigéria, dans les années 1950. Toutefois, le breakdance tel que nous le connaissons est largement reconnu pour avoir vu le jour dans les ghettos de New York au début des années 1970. Dans ces quartiers, les jeunes ont commencé à créer des mouvements de danse innovants, en utilisant des styles tels que le popping, le locking et l’Electric Boogaloo.

Lancé à l’origine par des groupes de danse de rue (ou crews), ce style de danse dynamique et acrobatique s’est rapidement répandu à travers le monde, gagnant en popularité grâce à sa singularité et sa véritable expression de l’individualité. Ces breakdancers, ou B-Boys et B-Girls, comme ils sont souvent appelés, ont perfectionné et élargi ce style de danse en y ajoutant des mouvements plus complexes et des routines de plus en plus créatives.

Aujourd’hui, le breakdance est non seulement un moyen d’expression puissant pour les jeunes du monde entier, mais aussi un élément central de la culture hip-hop. On le retrouve dans des compétitions de danse internationales, telles que “Battle Of The Year”, et il est même en voie d’être inclus dans les jeux Olympiques. Le breakdance continue de résonner comme un symbole de résistance, d’innovation et d’individualité dans un monde en constante évolution.

15. Salsa

Les origines de la salsa remontent aux années 1900 à l’est de Cuba, où des éléments musicaux et des rythmes de divers styles ont été combinés. Le son cubain et la rumba afro-cubaine ont utilisé divers instruments musicaux pour créer la base d’un rythme qui allait plus tard devenir connu sous le nom de salsa. Ce nouveau rythme, aux accents de jazz américain, a été amené à New York par des musiciens cubains. L’influence cubaine s’est ensuite mélangée aux sonorités urbaines pour donner naissance à cette musique dynamique et entraînante.

Aujourd’hui, il existe deux types principaux de danse salsa qui sont pratiqués dans le monde entier: le style cubain « Casino » et le style de Los Angeles (L.A.). Le style Casino se caractérise par des mouvements circulaires avec une rotation constante du danseur autour de sa partenaire. Le style L.A., en revanche, est plus linéaire avec des mouvements de va-et-vient et est souvent chorégraphié avec des mouvements acrobatiques et des tours rapides.

La salsa attire des danseurs de tous horizons en raison de sa musique entraînante et de sa grande variété de pas. Elle offre une expérience sociale et culturelle qui transcende les frontières. Que ce soit dans les rues de La Havane ou dans les clubs de danse de Los Angeles, la salsa est un pont qui unit les gens et les cultures, et continue d’évoluer grâce à sa nature dynamique et inclusive.

Histoire de la Salsa

La salsa est un genre de musique et de danse qui puise ses racines dans diverses cultures et styles musicaux. Son essor provient principalement du métissage culturel qui s’est produit entre les différentes traditions afro-cubaines et afro-caribéennes, le jazz et les rythmes latino-américains. Les premières expérimentations de la salsa remontent au début du XXe siècle à l’est de Cuba, avec des styles musicaux comme le son et la rumba, qui incarnent le mélange unique d’influences africaines, amérindiennes et espagnoles.

Au fil des années, la salsa s’est épanouie et a évolué, prenant diverses formes et styles en fonction des régions et des groupes qui la pratiquaient. Cependant, l’explosion de popularité de la salsa a vraiment commencé lorsque des musiciens cubains ont apporté cette nouvelle musique rythmée à New York dans les années 1940 et 1950. À New York, la salsa a absorbé les influences du jazz et d’autres genres populaires, donnant naissance à un son encore plus riche et diversifié. Dans les années 1970, la salsa a connu un succès phénoménal, avec le développement de groupes légendaires comme la Fania All Stars, qui ont joué un rôle crucial dans la popularisation de cette musique et de cette danse.

Aujourd’hui, la salsa est un phénomène mondial qui englobe de nombreuses variantes de danse, y compris le style cubain “Casino” et le style Los Angeles (L.A.). Elle est aimée pour sa musique enivrante, sa chorégraphie dynamique et son potentiel pour rassembler et connecter des personnes de tous horizons. La salsa continue de grandir et d’évoluer grâce à l’innovation constante de musiciens et danseurs talentueux. Elle reste un véritable symbole de diversité culturelle et d’unité.

Pour conclure, nous avons exploré divers types de danse qui captivent les gens du monde entier. Ces danses, bien que variées dans leur style et leur origine, partagent toutes une chose en commun: l’expression de soi et la communication non-verbale. Comme nous l’avons vu, les bienfaits de la danse vont bien au-delà de la simple esthétique et s’étendent à des aspects tels que la santé mentale et physique et la connexion culturelle.

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